Benefícios do teatro para as crianças

 

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O teatro infantil forma parte da lista de atividades extracurriculares que os pais podem escolher para os seus filhos. Para que uma criança faça teatro não é necessário que ela seja desinibida ou desenvolta, nem mesmo que tenha qualidades ou que seja aspirante à profissão de ator ou atriz.

A prática do teatro na infância deve limitar-se a que a criança se divirta, invente e interprete personagens curiosos, e faça amigos.

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O que faz o teatro pelas crianças

As escolas de teatro, através de variadas atividades e brincadeiras em grupo ou individual, são ideais para ajudar a criança a desenvolver a expressão verbal e corporal, como também exercitar a sua capacidade de memória e agilidade mental.

Além disso, o teatro é benéfico para as crianças nos seguintes aspectos:

– Contribui ao desenvolvimento e formação do caráter da criança;

– Melhora e favorece a dicção das crianças;

– Estimula a memória, a atenção e a concentração;

– Ajuda na sua auto-estima;

– Combate a timidez e a vergonha;

– Ensina a criança a relacionar-se com outras crianças e a trabalhar em grupo;

– Favorece o auto-conhecimento;

– Desperta a consciência corporal e a coordenação motora;

– Aproxima as crianças à poesia;

– Reforça o interesse das crianças pela leitura e literatura;

– Ensina as crianças a controlar suas emoções;

– Motiva o exercício do pensamento;

– Permite que as crianças brinquem com o mundo da fantasia.

Fonte: Guia Infantil 

 

A Expressão Corporal

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A expressão corporal desempenha  um papel de suma importância no contexto da comunicação. Funciona ela, algumas vezes, como meio de reforçar uma ideia que está sendo transmitida e em outras ocasiões, chega até mesmo a confundir-se com o próprio argumento.  Assim, o estudo da expressão corporal tem como finalidade essencial não só pesquisar os meios de que se vale o orador para melhor estabelecer sua comunicação com o auditório, como, ainda, persuadir este último por meio dos sinais corpóreos.

Mas, para que se possa gesticular  com eficiência, é preciso saber adequar a expressão  corporal ao ambiente e à mensagem transmitida, e este é um dos pontos que merecem  uma atenção constante, pois, não raramente, mesmo os mais experientes oradores acabam por cometer deslizes que, muitas vezes, acabam por prejudicar-lhes as imagens, em razão do uso de uma técnica incorreta.
Para evitar tais situações, a melhor (e talvez a única) maneira consiste  em treinar cotidiana e exaustivamente.

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A cabeça

A cabeça é de todas as partes do corpo,  a de maior importância na gesticulação, uma vez que é a região do corpo mais observada pelo auditório. Assim, de nada valeria uma gesticulação bem feita com as mãos se acompanhada por uma expressão facial inconveniente ou apática.

Apenas para ilustrar, um bom exemplo de exercício pode ser encontrado junto às escolas  de teatro, nas quais é comum observar alunos treinando expressões faciais enquanto  leem um texto. É como se estivessem representando, vivendo o papel apenas através da  leitura.

Posição ideal

A posição ideal da cabeça é aquela que se utilizaria ao conversar com um velho amigo:  nem altiva, pois transmitir-se-ia arrogância; tampouco abaixada, pois o orador passaria  uma impressão de insegurança com relação ao conteúdo da mensagem.

A cabeça deve acompanhar a linha traçada pela visão de tal sorte que, direcionados os  olhos para a direita, então a cabeça deverá acompanhar tal movimento, o mesmo se  dando com as demais direções.

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Da expressão facial

A  expressão  facial  deve guardar relação com a mensagem que se deseja transmitir para  o auditório, e isto se dá pelo fato de que o semblante funciona como um indicador da  sinceridade daquilo que é falado. E.g., um gesto involuntário que ocorre com freqüência,  consiste em baixar o olhar ou torná-lo vago ou ainda baixar a cabeça quando há uma inconformidade entre aquilo que está sendo dito e aquilo em que o orador de fato  acredita, ato que, consciente ou inconscientemente, é percebido pelo auditório.

Desta forma, a expressão facial deve atuar como um reforço daquilo que está sendo dito,  e a melhor maneira de se conseguir falar com convicção e segurança consiste em  conhecer tais expressões e saber utiliza-las adequadamente, algo que somente torna-se  possível através do exercício, pois, como já dito, a única maneira de absorver este conhecimento consiste em treinar com  freqüentemente.

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Do tronco

Com relação ao tronco, seria interessante apenas salientar aquilo que o orador deve e o que não deve fazer jamais.

O  que não deve ser feito

a) manter uma postura excessivamente rígida (militar).
b) dirigir o olhar a uma parte do auditório sem girar o corpo (olhar “por cima”)
c) ficar balançando para um lado e outro
d) ficar balançando para frente e para trás
e) ficar alternando entre dobrar o tronco para direita e para esquerda

•  O que deve ser feito

a) agir com naturalidade
b) manter o tronco ereto
c) girar o tronco (sem exagerar) na direção em que se olha
d) manter-se, sempre que possível, na postura clássica

A importância do figurino no espetáculo

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Alguns figurinos ou alguns elementos cênicos podem assumir papéis tão importantes quanto um ator dentro de um espetáculo, pois podem possuir peso e função tamanha que acabam falando por si só. Antes de considerar um grau de importância do figurino primeiro é preciso definir o que é. Chamamos Figurinos o traje usado por um ou mais personagens de uma produção artística, independente de sua linha (teatro, dança, cinema, musicais, etc.). Alguns profissionais se referem aos figurinos como traje, indumentária, vestuário, mas temos algumas diferenças básicas que diferem nos termos.
Denominamos que indumentárias seriam todo o vestuário em relação a uma determinada época e povos. Vestuário, um conjunto de peças de roupas que se veste e o figurino seria o traje usado por um personagem criado. Consideramos como figurino tudo que o ator leva em cima de si, temos então as roupas e acessórios.
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Em relação aos acessórios classificamos a joalheria, chapelaria, calçados, luvas, sombrinhas, leques, lenços entre outros. Alguns acessórios já foram parte integrada e essencial na composição do look da vestimenta em épocas passadas, mas atualmente não são mais usadas, como luvas, sombrinhas, alguns estilos de chapéus, chales, etc, hoje estes somente são usados eventualmente em determinados lugares ou quando devemos mostrar figurinos de época. Como define Cunningham, “o figurino é um traje “mágico” – um traje que possibilita, por um tempo, o ator ser outra pessoa. Como a capa de Próspero, que concentrava seu poder sobrenatural sobre os ventos e os mares.
A roupa do ator, ajuda a concentrar o poder da imaginação, expressão, emoção e movimento dentro da criação e projeção do caráter do espetáculo”. (Cunningham, 1984:01) O figurino é mais que uma simples veste, mais que uma roupa, pois ele possui uma carga, um depoimento, uma lista de mensagens implícitas visíveis e subliminares sobre todo o panorama do espetáculo e possui funções específicas dentro do contexto e perante o público, ora com grau maior ora menor.
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O figurino tem como duas funções básicas definir o personagem interpretado pelo ator e ajudar a estabelecer o tema, idéia e atmosfera da produção interpretada pelo diretor além de mais outras quatro não menos importantes. O figurino é parte importante do espetáculo, pois através dele se cria uma linguagem através das formas, cores, texturas, transmite a época, a situação econômica política e social, indica a região ou cultura, estilo do personagem, estação climática, aspecto psicológico, enfim os elementos necessários para passar ao espectador o sentido do espetáculo, devendo mostrar as relações entre todos os personagens. O Espaço é onde ele vive, local, região, cultura, se é um lugar específico, real ou é um lugar inventado, que saiu na imaginação do escritor. O figurino pode demonstrar claramente de que país de passa trama, por certas características folclóricas nas roupas de todos os países.
Dependendo do local, vai-se usar determinado tipo de figurino característico do seu país, de sua cultura, possuindo trajes característicos alguns ainda usados até hoje, alguns ainda mais considerados folclóricos ainda usados somente em períodos festivos.
Ex.: Se virmos um homem usando o Kilt, sabemos que ele está na Escócia ou está em outro país, mas está representando este país. O mesmo ocorre com uma gueixa, um cowboy, etc. A época é em que determinado tempo da história o personagem está sendo interpretado, é muito importante ter uma data específica para poder se seguir uma linha de pesquisa.
Podemos identificar se é de uma época anterior pela diferença nas formas dos trajes, e claramente pode-se identificar as estações do ano em que está ocorrendo a trama, pelo excesso de roupa ou falta dela. Ex.: Se virmos dois homens lutando com espadas e armaduras logo vemos que a historia se passa na Idade Média. Alguns trajes são mais fáceis de identificar que outros, para um conhecedor da história do vestuário, pode-se em alguns momentos identificar até o ano em que a trama está ocorrendo mesmo sem haver a declaração desta.
O figurino pode determinar a passagem de tempo, assim como a maquiagem serve para ressaltar esta parte de extrema importância.
Se virmos um personagem com roupas de verão e logo de repente ele está com roupas de invernos, sabemos que se passaram alguns meses, no decorrer do tempo, ou ainda pode-se ser por poucos anos, o envelhecimento através da maquiagem, já determina a passagem de vários anos. Com o clima também ambienta uma troca de ambiente, local, o personagem pode ter viajado de um país para outro. É necessário estabelecer qual a idade do personagem.
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Segundo Rebecca Cunninghann, “uma peça existe porque um escritor tem uma ou mais idéias para expressar” . Sendo então que o tema ou o conceito do espetáculo proposto pode-se basear na história, pontos de vista, temas, incidentes e há varias linguagens para se contar uma história. O conceito que se segue para estudar o script são baseados na linguagem e na história pode ser interpretada e representada de várias maneiras. A disposição pode ser imposta pelo escritor e interpretada pelo diretor. O conceito é definido através de estilos, cores, formas, texturas.
    Estilo – se é realista ou estilizado. Cores – cores expressam sensações e podem definir um contexto com muitos significados. Volume – produções estilizadas pode ser utilizadas de formas exageradas ou pequenas demais para enfatizar uma cena. (mais propenso no teatro) Texturas – através das texturas para demonstrar algo sobre o personagem no relacionamento dele com os outros personagens, ou de determinados grupos. A textura também expõe ocasiões.

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Sabemos que o figurino é um dos elementos visuais e estes todos estão relacionados entre si então salientamos aqui o figurino em relação aos outros elementos cênicos, em grau de importância semelhantes, um não se sustenta sem o outro e um pode prejudicar o outro. Sendo então que o espaço emoldura o personagem, e o figurino enquanto elemento visual estabelece um essencial elo de significação entre o personagem e o contexto do espetáculo. Sendo que o mais importante é a completa integração entre o ator, figurino, cenário, e a luz, pois nestes estão concentrados os elementos visuais. Este trabalho deve ser feito num todo no campo da cenografia, pois o espetáculo é o resultado de um trabalho em conjunto.

6 dicas na hora de atuar

Um bom ator/atriz precisa saber o que é necessário para desenvolver uma boa atuação. Quer saber quais são estes passos? Acompanhe as dicas a seguir:

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  1. Leia o roteiro pelo menos duas vezes. É muito importante conhecer o filme ou a peça por completo, não apenas suas falas e ações. A função dos atores é dar seguimento para a trama e sua performance não será adequada se você não compreender os temas e as ideias gerais do roteiro. Durante a leitura, tente descobrir qual o tema principal do trabalho e como seu personagem se encaixa na história. Após ler a história inteira, releia suas cenas mais algumas vezes, focando-se no papel e nas falas do personagem.2- homem elaborando
  2. Elabore perguntas e respostas-chave sobre o personagem. É necessário se aprofundar além do que está escrito, pensando no que faz com que o personagem funcione. É provável que esse trabalho não fique evidente durante a apresentação ou filmagem, mas esses fatos aparentemente simples o ajudarão a compor o personagem e a descobrir o modo com o qual interpretará. Confie eu seu instinto ou pergunte ao diretor ou roteirista ao bolar as respostas.
    • Quem sou eu?
    • De onde vim?
    • Por que estou aqui?3 - conheça o desejo (1)
  3. Conheça o desejo que define o personagem. Em praticamente todas as histórias, todos os personagens querem algo, não importa se o desejo é salvar o mundo ou comprar um lanche. O ator precisa conhecer o desejo e a origem dele para representá-lo com precisão. Todas as ações do personagem dependerão desse desejo.
    • Os desejos do personagem podem mudar e você deve captar isso. Tais mudanças quase sempre ocorrem em um momento ou cena importante.
    • Pratique tentando descobrir quais os desejos de seus personagens preferidos. Em Sangue Negro, por exemplo, o protagonista é movido pelo desejo de encontrar mais petróleo. Todas as ações e olhares dele surgem por conta dessa ganância sem fim e isso é perceptível no rosto do ator em todas as cenas.portrait of a handsome man shouting with a megaphone

      4. Pratique as falas até que elas soem naturais. Nunca pare e pense no que vai falar, seu foco deve estar no modo com o qual vai falar. Para isso, você deve praticar repetir as falas várias vezes sem consultar o roteiro. Peça que um amigo interprete os outros personagens para que você possa falar os diálogos de modo mais natural.

      • Brinque com as falas conforme as lê. Repita-as de diversos modos, com entonações diferentes, e veja como isso afeta o personagem.
      • Gravar esses ensaios para assistir mais tarde pode ajudá-lo a captar pequenos erros ou descobrir novos modos de recitar as falas.
      • Antes de tentar aperfeiçoar as falas, tente entendê-las. O ideal é saber recitar as palavras antes de tentar melhorá-las.Smiling young employee sitting in office lobby, talking to his senior business leader. Business meeting concept5. Pergunte a visão que o diretor tem do personagem. Se o papel já é seu, tente conversar com o diretor para descobrir se ele tem alguma visão particular para o personagem. Explique quais são suas ideias e como elas contribuem para o projeto e ouça o que ele tem a dizer. Lembre-se de que você é uma parte do projeto e que a ideia é complementar o todo. É necessário receber críticas construtivas sem problemas.
        • Se ainda não conquistou o papel e está indo a um teste, escolha uma direção para o personagem e atenha-se a ela. Não tente dizer o que as pessoas querem ouvir: leia suas anotações e prepare-se de modo natural.6 - coloque-se no lugar do personagem
          6. Coloque-se no lugar do personagem. Só é possível representar alguém se conseguir entrar na cabeça dessa pessoa. Por mais que as palavras já estejam escritas, as ações do personagem nem sempre são imutáveis. Conhecer o personagem o ajudará a improvisar caso você esqueça alguma frase. Entre na mente do personagem e represente-o do melhor modo possível.

          • O “Método” é uma escola de atuação em que o ator se recusa a sair do personagem durante as filmagens. Entre as tomadas, eles permanecem no papel, vivendo dentro do personagem, de modo que consigam sempre representar na frente das câmeras.
          • Encontre as partes do papel que se conectam à você. Alguma vez já passou pela situação que o personagem está passando? Você conhece um pouco sobre esse problema? Encontre algum modo de canalizar isso nos diálogos.

 

Dublagem de games cresce no Brasil

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O Brasil está entre os 15 maiores países no mercado que cresce de game no mundo e essa demanda faz com que os produtores prestem mais atenção no público brasileiro. A dublagem para o português acaba sendo um segmento que cresce bastante, pois para o jogador é importante ter uma imersão no jogo e a dublagem deixa isso muito mais vivo.
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Conheça o processo de dublagem para um game do Brasil

O processo em si começa apenas depois que o jogo teve a produção de seu script e parte da arte desenvolvida. As empresas brasileiras de dublagem fecham os contratos com as gigantes internacionais e recebem esse material das distribuidoras ainda durante o produção do game. Elas analisam os personagens e as falas, buscando os elementos essenciais em cada um e “abrasileirando” o diálogo para que soe natural aos ouvidos tupiniquins. Há também um cuidado com a análise do timbre de voz do ator original de cada personagem, pois algumas das falas secundárias – reações, gritos, suspiros – nem sempre são traduzidas.

A partir daí, os produtores de áudio fazem uma pré-seleção de atores que se encaixem nos parâmetros definidos – especialmente timbre de voz – e partem para o casting, convidando diversos artistas a interpretarem algumas falas dos personagens. Isso dura algumas semanas, até que todo o elenco esteja definido.

O passo seguinte é pôr a mão na massa, gravar linha por linha. Produções titânicas, como o recente Battlefield 4, podem levar semanas de trabalho ininterrupto até que a primeira versão de cada fala esteja pronta, e ainda é preciso considerar o equipamento: nem sempre o microfone comum é a melhor opção. Para jogos de esporte, por exemplo, os atores que atuam os jogadores em campo usam microfones em gruas, distantes de sua bocas, para simular a ressonância de um campo aberto. Os comentaristas, por outro lado, usam aqueles headphones gigantes para gravar suas falas, pois a acústica desse tipo de equipamento é facilmente perceptível.

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Foto: Reprodução/ Paulo Vasconcellos

Para tornar a experiência do game convincente, os atores precisam até mesmo simular as ações dos personagens enquanto gravam as falas, seja pulando, correndo ou se abaixando. “Um dos melhores profissionais brasileiros é o André Ramiro, que fez Battlefield 4 com a gente. Tinha uma cena em que o personagem dele arrombava uma porta com o pé, e ele quase quebrou a parede do estúdio enquanto refazíamos aquela fala”, explicou Werneck.

A edição de toda essa captação é um processo igualmente demorado, e pode levar também muitas semanas, pois é exigência da maioria dos estúdios que as sonoras tenham exatamente a mesma duração de onda que as originais, em fidelidade milimétrica. Cada passo, cada suspiro, cada fala tem um arquivo sonoro próprio que precisa ser normalizado, pois cabe à engine do jogo aplicar efeitos de ambiente sobre elas.

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Gravados e editados, os sons são enviados para os desenvolvedores do jogo, que gastarão um bom tempo analisando linha a linha do traduzido. As falas rejeitadas começam a voltar em pacotes para serem refeitos. Na maioria das vezes, o problema é de sincronização, e não de atuação, pois este é um critério de avaliação muito mais fácil, especialmente por ouvidos forasteiros. As regravações acontecem da mesma forma que as da primeira fase, geralmente com mais agilidade e mais cuidado. Com a segunda fase concluída, fica a cargo das desenvolvedoras colocar os arquivos de som e texto alterados dentro do jogo – a participação dos dubladores acaba aí.

Fontes: Globo News e Techtudo

Teatro para uma vida mais leve!

TEATRO PARA UMA VIDA MAIS LEVE

As escolas de atuação ajudam os alunos a melhorar a sua presença de palco, com dicas que se aplicam não somente a esta atividade como para a vida.

Pessoas introvertidas e sem autoconfiança são bastante beneficiadas pela oportunidade de se expressar de uma maneira mais eloqüente, com voz forte e firme, buscando convencer o público por meio da atitude forte e postura corporal. O ator aprende a alinhar a expressão corporal aos sentimentos que pretende transmitir.

A atuação permite que as pessoas experimentem posturas diferentes daquelas do dia a dia, com práticas que jamais fariam em público, rompendo barreiras de uma forma lúdica, mas que se refletem na realidade. A satisfação vivenciada em algumas experiências pode ser repetida na vida real, principalmente aquelas que eram impedidas por preconceitos infundados.

As aulas de teatro levam o aluno à consciência corporal, de modo que ele passa a perceber a própria presença física, trazendo maior satisfação, confiança, graça e equilíbrio em sua vida cotidiana.

A expressão de sentimentos por meio da expressão corporal, verbal e facial favorece a comunicação. O aluno aprende tanto a falar em público, quanto a ouvir e entender o que os outros têm a dizer, ou seja, torna-se um melhor ouvinte. Tais características ajudam em sua vida profissional, acadêmica e, especialmente, pessoal. Quem não gosta de conversar com pessoas comunicativas e que tenham boas histórias para contar?  Aquelas pessoas que aprender a ouvir com empatia atraem outras pessoas, favorecendo as amizades e relacionamentos.

O teatro faz parte da vida humana. A todo o momento estamos representando papeis diferentes, ora como filhos, ora como cônjuge, chefes, amigos e até mesmo inimigos… Esta mistura de papeis exige posturas e atitudes diferentes também, muito embora o equilíbrio e bom senso devam estar presentes em todas as circunstâncias.

De maneira geral, os relacionamentos são beneficiados pelas técnicas teatrais, uma vez que o ator, para incorporar o personagem, precisa se colocar completamente no lugar deste outro, mesmo que não concorde com suas ideias e filosofia de vida. Ao fazer isso, o ator aprende a identificar e compreender pontos de vistas diferentes, o que poderá ser aplicado na própria vida, em seus relacionamentos interpessoais.

Como se observa, as aulas de teatro são muito mais do que mero preparo para atuação profissional, mas, especialmente, contribuem para uma formação humana muito mais consciente e fraterna.

As aulas de teatro levam o aluno a aprender a enxergar além das aparências e palavras, para submergir no universo fascinante da alma humana, de uma forma leve e solta.

O Palco e a Vida: importância do teatro para a formação de crianças e adolescentes

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Desde a Antiguidade, o teatro, do latim theatrón (lugar de contemplar), é valorizado por diversos povos, seja para a prática de rituais religiosos como para o lazer e cultura.

O valor cultural do teatro é inegável, por complementar a formação cultural, além de incentivar a busca pelo conhecimento e a reflexão. Tais características fazem do teatro uma ferramenta fundamental para a educação e desenvolvimento de crianças e adolescentes, por trabalhar com a ludicidade, que é tão significativa para este público.

A escola tradicional não tem se mostrado suficiente para preencher algumas lacunas importantes para a formação dos mais jovens, sendo que o teatro abre um universo de possibilidades, seja para aqueles que assistem às peças, ou os que nelas atuam.

As peças teatrais representadas pelos alunos proporcionam momentos de aprendizado de valor inestimável, por ensinar diferentes temáticas de maneira lúdica e divertida.

Pensando na heterogeneidade presente nas escolas, que refletem a própria sociedade, o teatro consegue atender a todos os públicos, valorizando a diversidade e diversas culturas existentes.

O trabalho em equipe necessário à realização de uma peça teatral favorece o desenvolvimento pessoal e cultural dos alunos, levando-os a entender as próprias emoções e sentimentos, bem como dos outros, melhorando a expressividade (oral e escrita), na diminuição da timidez, estimulando a criatividade e, principalmente, a aceitação e convívio com as diferenças.

O preparo para a vida tem sido o maior objetivo das escolas que buscam uma educação de qualidade e o teatro contribui muito para a concretização deste ideal.

Crianças, adolescentes e jovens da atualidade nasceram sob a influência das novas tecnologias, que são muito atraentes e com recursos interessantes, porém o grande período de tempo que gastam sentados em frente a celulares e computadores tem afetado seu desenvolvimento.

Cada vez mais, os jovens têm se isolado, não participando do convívio social, além das complicações decorrentes da vida sedentária.

Também nestes aspectos o teatro pode ajudar, ao proporcionar momentos de contato pessoal, ampliar o conhecimento de mundo, aprender a falar e a ouvir o outro, compreender e refletir sobre pensamentos e realidades diferentes da sua.

O teatro favorece a atividade física, a partir da consciência e expressão corporal, que são fundamentais para a formação equilibrada do indivíduo. Afinal, o homem é um ser social e dinâmico, o que significa que não pode ficar isolado e sem se movimentar, porque isto faz parte de sua constituição física e emocional.

Por fim, o teatro desperta a criatividade e a liberdade de expressão, sendo uma arte que reflete a vida, ambas se misturando no espetáculo teatral.

Coach: aprimoramento para atores

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Quem já ouviu falar em um instrutor ou treinador (coach) para atores? Pois é, o coaching não se destina apenas a executivos das áreas de negócios, tendo mostrado sua importância para atores que buscam aprimoramento profissional.

Coaching é um termo de origem inglesa, que significa atividade de formação profissional, em que o treinador (coach) orienta o seu cliente (coachee) a desenvolver e se aprimorar em alguma área, seja no aspecto pessoal ou profissional.

Desse modo, o coach entra em cena quando alguém decide evoluir em algum aspecto de sua vida, mobilizando conhecimentos para que se torne mais assertivo em sua carreira.

Entretanto, o coach não precisa ser um profissional experiente na área específica de seu cliente, mas deve dominar a aplicação de técnicas, estratégias e ferramentas que o ajudem a desenvolver determinadas habilidades e competências.

Trata-se de um trabalho de instrução, geralmente realizado individualmente, mediante uma prévia avaliação das metas almejadas, sendo utilizadas técnicas inovadoras, além da contínua motivação do cliente.

O trabalho do coach é muito conhecido entre os astros de Hollywood e, atualmente, está cada vez mais presente no Brasil, especialmente entre atores de novelas.

Mas o coaching não se destina exclusivamente a atores iniciantes, ao contrário, muitos daqueles que têm utilizado este serviço são profissionais experientes, mas que desejam realizar um trabalho de excelência, com diferenciais competitivos.

O coaching é realizado em sessões semanais, quinzenais ou mensais, durante cerca de uma hora e meia, visando levar o cliente a superar limitações e desenvolver novas competências. A duração depende das necessidades do cliente, sendo elaborado um plano de trabalho com previsão de início e término.

Geralmente, os clientes exigem a confidencialidade do coaching, que, inclusive é regido por um contrato de prestação de serviços.

O coach para atores atua como um diretor de elenco ou, mais comumente, denominado preparador de elenco, fornecendo orientações antes, durante e depois da entrada em palco. Também ajuda o ator a compreender melhor o personagem, encorajando-o a romper barreiras e a responder positivamente aos feedbacks.

Em suma, o coaching favorece o desenvolvimento pessoal e profissional, melhorando a expressão verbal e corporal, permitindo ao ator desvencilhar-se dos laços impostos pela sociedade, passando a atuar mais livremente e consciente do seu papel.

Neste sentido, é bastante conhecido o trabalho de Paloma Riani, que está envolvida com teatro desde 1983, tornando-se uma referência em se tratando de coaching de atores, dentre os quais, diversos famosos, especialmente estrelas da Globo, como Patricia Pillar, Mariana Ximenes, Vanessa Giácomo, dentre outras. Também realizou o treinamento das meninas que se candidataram para a Oficina de Talentos do Caldeirão do Huck, que escolheu uma jovem atriz de comunidade para um curso de formação de atores, bem como um contrato com a empresa de cosméticos L’Oreal.

Paloma Riani reflete seu entusiasmo e paixão pelo trabalho que faz, que facilita o trabalho dos atores. Por isso, a participação nos cursos e workshops ministrados por esta grande preparadora de elenco na BRAAPA Escola de Atores é muito importante para os atores que buscam aprimoramento profissional.

Outra preparadora ilustre que colabora com o nosso Curso de Atores é Andrea Cavalcanti, ministrando workshops na BRAAPA desde 2015, tendo vasta experiência: trabalhou na preparação de elenco do seriado O Caçador, da atriz Paolla Oliveira, da novela Insensato Coração, bem como com o elenco das Novelas Alto Astral, Lado a Lado, Guerra dos Sexos, Aquele Beijo, Cordel Encantado, Ti Ti Ti, dentre outras.

Também já contamos com a participação do americano Robert Castle, que atuou no Instituto de New York, diretor de palco especialista na direção das peças de Edward Allan Baker, Richard Vetere, John Patrick Shanley, D. McDonald e Luigi Pirandello. Castle, fundador do IT New York, lecionou produção de vídeo e roteirismo na Universidade Estadual de Nova York (SUNY), tendo também ministrado na UCLA e na Oberlin College, e no Instituto de Teatro e Cinema Lee Strasberg em Nova York.

Como se observa, a BRAAPA Escola de Atores busca sempre contar com renomados profissionais, oferecendo aulas particulares ou em grupo personalizadas, direcionadas para as necessidades dos atores em cada trabalho realizado.

No site da BRAAPA são encontradas as programações dos cursos e workshops, estando o próximo previsto para fevereiro/2017.

 

 

Tenho um teste de elenco, e agora?

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Um teste bem feito e então ser escolhido para participar do elenco, isso pode significar uma virada na carreira ou até mesmo enriquecer mais seu currículo, tudo dependerá do seu preparo e profissionalismo.

Agora chegou o momento de participar de testes e temos 5 dicas para seu sucesso:

1 – Prepare-se para o teste

Informe-se o máximo possível sobre o teste e quando for chamado, pergunte tudo sobre o teste, desde horários, cachê e roupa que deve ser usada, sempre dando preferência para roupas de cores neutras e discretas ,  que mostrem seu corpo e permitam movimentação, liberdade e conforto. O ideal é usar tons pasteis e lisas, evitando o preto e branco, listradas ou quadriculadas, além de roupas que mostrem a marca. Em alguns testes o figurino pode ser cedido no local, mas de qualquer forma, fique preparado. Tire qualquer dúvida, mesmo a menor que tiver.

2 – Tenha seu material de apresentação

Sempre ande com seu material a mão: book, currículo sempre atualizado, e com as informações principais destacadas

Você é seu maior cartão de visitas. Seja cordial, simpático, cumprimente a todos com confiança e carisma, respeite a ordem das apresentações e concentre-se em falar o que foi perguntado de forma sintetizada e eficaz, sem excessos, lembramos que eles já estão com seu currículo em mãos.

3 – Chegou a hora de brilhar

Muitas pessoas já passaram pelo mesmo teste naquele dia, o destaque está em demonstrar algo além do que já foi visto, para uma equipe de avaliadores já cansados.

Os textos devem estar decorados e, se possível, pratique diferentes formas de entonações. Caso os textos sejam dados momentos antes do teste, continue concentrado e focado para executá-lo da melhor forma.

Este é o momento de colocar em prática todo seu conhecimento e estudo cênico, pondo em prática sua técnica, estudo do personagem, posições, postura, entonação e gestos.

4 – Atenção ao seu comportamento

Primeiramente temos que entender que o teste realmente é um fator de estresse para qualquer pessoa e, por isso,  você deve manter a calma em qualquer situação, pois isso é um grande diferencial. Por vezes o avaliador pode passar orientações para que você mude sua forma de atuação. Nesse caso, mantenha-se tranquilo e atento para executar tudo o que for pedido e lembre-se que o apontamento não significa erro e sim interesse, aproveite o momento para demonstrar seu talento em responder de forma eficaz tudo o que for solicitado.

Não precisamos dizer que mascar chicletes e comer dentro de um set deve ser encarado como proibido. Evite conversas paralelas durante explicações e apresentações e desligue seu celular. Além de ser muito deselegante, é um desrespeito com as outras pessoas que estão ali.

5 – Finalize seu teste

Agradeça a todos na sua despedida e saia da sala. O ideal é que caso queira socializar com outros atores, que o faça totalmente fora do local do teste. Lembre-se que você está sempre sendo avaliado. Agora que todo possível já foi feito, basta se preparar para um novo teste. Sempre faça testes.

E agora se sente mais preparado? O estudo é peça fundamental para seu sucesso, conheça a Braapa Teatro

QUERO SER UM DUBLADOR

Dublagem provavelmente o maior acesso de produção nacional que temos contato desde de muito pequenos, de animes a produções hollywoodianas, a dublagem nacional é a matéria prima nos primeiros contatos a sétima arte, sendo o Brasil referência nessa arte interpretativa, que hoje ganha ainda mais força com novas produções e a expansão para outras mídias como a indústria dos vídeo games.

Ser um dublador não é somente voz, mas sim corpo, alma, coração e técnica, a voz e as palavras têm a intenção de levar o máximo de emoção e fidelidade em cada cena e hoje no Brasil temos grandes referencias como:

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 Hélio Ribeiro

  • Princesa Caroço, em Hora de Aventura.
  • Robert De Niro nos filmes Mera CoincidênciaHomens de HonraOs Bons Companheiros15 MinutosMáfia no DivãDespertar de um HomemO Amigo OcultoEstranha Obsessão.
  • Steve Martin – voz oficial.
  • Tom Cruise em Top Gun: Ases Indomáveis.

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 Garcia Junior

  • Pica-Pau.
  • Príncipe Adam, em He-Man.
  • Arnold Schwarzenegger nos filmes O Exterminador do Futuro 2 e 3O Vingador do FuturoO SobreviventeComando para MatarO PredadorO Último Grande Herói.
  • Simba (adulto), em O Rei Leão.
  • A Fera e o Gaston, de A Bela e a Fera.
  • Han Solo, em Star Wars: O Império Contra-atacaO Retorno de Jedi.
  • Pato Donald, em O Conto de Natal do Mickeye outros desenhos clássicos da Disney.

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 Wendel Bezerra

  • Bob Esponja.
  • Goku, de Dragon Ball.
  • Edward Cullen, de Crepúsculo.
  • Jackie Chan, de As Aventuras de Jackie Chan.

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Miriam Ficher

  • Vaca, de A Vaca e o Frango.
  • Angelina Jolie – voz oficial.
  • Drew Barrymore – voz oficial.
  • Charlene, de Família Dinossauro.

COMPOSITE TIAGGO GUIMARÃES

Thiaggo Guimarães

  • Power Ranger preto
  • Jabo de Capricornio – Cavaleiros dos Zodiacos
  • Dr Robert Ray – cirurgiões de Hollywood
  • Collin farrel – Pergunte ao Pó

Aqui estão 5 dicas para que possa dar início e se tornar um dublador profissional:

1- O que é necessário para se tornar um dublador?

Para se tornar um dublador é necessário saber ler fluentemente em voz alta, saber interpretar, e se souber falar inglês, melhor ainda. – “Meus amigos e minha família dizem que tenho voz bonita…” -Ótimo, mas quem não tiver, terá as mesmas oportunidades de trabalho, ter registro profissional como ator ou atriz é peça fundamental para iniciar esta atividade.

2- Como conseguir o registro de ator/atriz?

Vá até o Sindicato dos Artistas e pegue a relação dos cursos que o próprio sindicato indica. Há cursos com duração de, 2 anos; aulas diárias ou 3 vezes por semana.

A Braapa oferece um dos melhores cursos de ator e atriz de São Paulo com certificado em 17 meses. Munido do diploma de conclusão volte ao sindicato para obter o Atestado de Capacitação, e vá ao Ministério do Trabalho. Lembre-se: nenhuma empresa de dublagem o aceitará sem esse registro, por mais talento que você demonstre.

3- Como saber se tenho talento?

Você os diverte com imitações. Este é o começo. Pode acreditar nisso. Se você tem o hábito de gravar desenhos animados e filmes para depois ficar imitando a gravação, parabéns! É um grande exercício de interpretação. Continue, não pare. Isso será de grande utilidade no curso de teatro que você vai fazer e posteriormente na dublagem. O imitador quase sempre é um excelente ator

4- Terei emprego?

O curso não é uma agência de empregos. Ele ensina a profissão. Na Braapa você também pode se especializar com o curso de dublagem com direção de Tiaggo Guimarães. O curso proporciona especialização em 4 a 10 meses e assim você terá um currículo daqueles que revelam talento, disciplina, dedicação e profissionalismo.

5- Qualquer um pode fazer o curso?

Sim pode, o curso de ator ou atriz desenvolve os talentos, com método e disciplina, como tudo na vida basta dar o primeiro passo e se matricular em uma boa escola de teatro